Joli spectacle, assurément plus musical que théâtral, au rythme des célèbres standards brésiliens, samba et bossa nova, interprétés avec une très belle voix par Suzanne Legrand accompagnée de deux musiciens, guitare et batterie.
Quant aux aventures de cette famille métissée, entre sourires et émotions ... "saudade" bien sûr !

Une belle énergie anime ces jeunes comédiens enthousiastes pour narrer l'expédition de Magellan à travers les océans, tempêtes, famines, mutinerie...
Sans doute manque-t-il un souffle épique pour illustrer cette extraordinaire première : la découverte d'un passage et l'exploration d'un monde nouveau ?
Un spectacle à encourager.

Catholique et aristocratique. Une famille parfaite ... où l'on ne parle pas d'inceste ! Et pourtant Elizabeth veut dire l'indicible !
Ce seule-en-scène, juste et nuancé, dépeint la longue route de l'enfant, puis de la jeune fille vers la reconnaissance du préjudice subi et, plus encore, vers la justice et enfin la consolation, enfin !
L'utilisation inventive des accessoires : une valise, de menus objets, un cadre... concourt donner vie aux souvenirs comme aux divers personnages de cette histoire.
Clémence de Vimal, auteure et interprète, allie une délicatesse élégante à une force implacable. Émouvante sans pathos, elle nous entraîne à sa suite jusqu'à la reconstruction !
Un spectacle remarquable à ne pas manquer !

Ce spectacle musical est une sacrée réussite : Nicolas Natkin n'imite pas mais interprète les textes du grand Georges avec talent, excellemment accompagné de Mauro Talma à la guitare et de Stéphane Caroubi à la contrebasse.
La mise en scène judicieusement étayée par des vidéos illustre des moments de vie de l'artiste.
Ne manquez pas ce bel hommage à Brassens, poète et homme libre, et à son amour des mots, une célébration de son art à la fois populaire et exigeant, à ses chansons comme un doux héritage !

Un immense bravo à KATIA GHANTY pour la qualité exceptionnelle de ce spectacle tellement puissant, authentique et enraciné dans la dure réalité hospitalière "du pire service : la réanimation" !
Et pourtant il est si empreint de poésie et souvent teinté d'humour !
Un Everest à gravir pour survivre et aussi retrouver le goût du quotidien ! L'auteure et comédienne joue, chante et danse la chute et la rédemption avec grâce et maestria ! Un moment de pur bonheur ! Courez voir ce seule-en-scène magnifique.

Au cœur de la création du nouvel opus de Élizabeth Czerczuk, je suis toujours autant séduite pas cet univers à la fois mystérieux et symbolique, mais aussi tellement rigoureux et exigeant !
Musiciens, danseurs, comédiens, tous les artistes donnent à voir et à entendre la démesure de la lutte entre Éros et Thanatos, la vie même !

À l'instar du héros shakespearien Macbeth-Makbeth, les hommes puissants commettent crimes et massacres, se cachant derrière l'utopie d'un monde meilleur, alors qu'ils déchaînent folie meurtrière, guerres et tragédies : le mal absolu des ténèbres d'où surgissent les monstres !
Le Munstrum Théâtre offre ici une performance scénique hors-normes, tout y est gigantesque, la mise en scène, les décors, les costumes, mais par dessus tout, les talents multiples d'une troupe de comédiens d'exception. Une œuvre cathartique pour dénoncer "l'enfer de ce monde".
À voir assurément 👏👏👏👏👏

"Bien qu'ils sourient, on sent bien qu'ils se méfient ... Vous permettez" ...
Sur le tube d'Adamo, on s'invite à un improbable dîner où les belles familles sont censées faire connaissance puisque leurs enfants se fréquentent.
Et, de malentendus en quiproquos, les masques tombent et les préjugés, sociaux comme sociétaux, se font jour pour notre bonheur de spectateurs.
Une comédie réussie où l'on rit de bon cœur : un excellent moment de détente mais aussi de réflexion grâce à une judicieuse interprétation, Penelope Perdereau et Julien Héteau en tête.

Règlements de comptes avec La Mère, "comptes" dans toutes les acceptions du terme justement, c'est bien dans cette polysémie que réside l'originalité de ce spectacle engagé : combien ça coûte, le soin, la tendresse maternelle ?!
Très bien interprété par une troupe de comédiennes talentueuses, de la médiatrice et son assistante, débordées par le sujet, aux filles en quête de solutions, ce stage sur les relations mères/filles est souvent surprenant.

Ce seule-en-scène est juste factuellement quant à l'évocation de ce que furent les années des luttes féministes, notamment la conquête de légalisation de l'IVG, le militantisme du MLAC, de Women on Waves, etc...
De même la forme documentaire d'une journée de travail à la suite de cette gynécologue atypique dans un hôpital au bord de l'effondrement, à l'instar des services publics.
En revanche, l'aspect punk et la musique qui couvre trop le discours, ne m'ont pas convaincue malgré l'énergie de la comédienne.

Angoisse, fragilité de qui doit renoncer au pouvoir et plus encore à la vie ! Car oui, même les rois meurent et ce n'est pas chose facile ...
Plus que l'humour cruel cher à Ionesco pour contourner l'absurde de la condition humaine, c'est l'atmosphère fin de règne et l'émotion qui m'ont surtout séduite dans cette mise en scène très équilibrée de Christophe Lidon. Excellente interprétation, tout en nuances, mention spéciale à Valérie Alane, splendide Reine Marguerite.

Magnifique adaptation du roman de Martin Winckler dans une mise en scène sobre et efficace, ce spectacle réussit à être réaliste quant à l'univers de l'obstétrique et respectueux de la souffrance des femmes face aux violences notamment gynécologiques.
À travers divers récits, on découvre derrière les enjeux médicaux, nombre de problématiques de nos sociétés contemporaines en lien avec l'identité, le genre, la sexualité ... sans jugement ni tabou.
Comment dépasser le statut de "docteur" pour atteindre celui de "soignant" !Leçon magistrale, pourtant dénuée de tout didactisme, grâce à une interprétation exceptionnelle : Arnaud Schalk sensible et rassurant Dr Karma, et toutes ces jeunes actrices Carla Berardi, Marie Delas, Clémence Coquard, très justes dans des rôles multiples, enfin Lou Hediard réellement impressionnante en Dr Atwood en lutte contre les mandarins... comme dans l'intimité de Jean - Djinn !
Une véritable réussite à ne pas manquer 👏 👏 👏

Un monde où la technologie omniprésente se veut garante du bonheur et de l'équilibre de chacun. Une société de rentabilité, de communication obsédante et de contrôle omnipotent, d'individualisme ! Plus d'interactions sociales ! Un seul remède le travail !
La rééducation forcenée d'un "Inadapté", Bettman confiné et analysé, gavé de dragées de bonheur et d'IA, est une métaphore glaçante du fascisme ordinaire !
Une seule échappatoire, les souvenirs ! Un seul exutoire, la Musique !
Ce seul-en-scène dystopique et avant-gardiste mêle poésie, musique et danse pour un théâtre d'une grande originalité dont la mise en scène comme l'interprétation (talentueux Matthieu Trincanato !) méritent le détour !

Hormis la chorégraphie très réussie pour trois corps parfaits, je n'ai pas adhéré à cette histoire d'une mère en mal d'enfant s'adonnant à la dévoration de ses "employées filles adoptives". Plus glauque que fantastique selon moi, la proposition demanderait davantage de distance pour donner à voir l'absurde.

Mis en scène par Robin Ormond, le texte de Mayenburg met en résonnance le politique et l'intime. Il nous invite à une réflexion vertigineuse sur les vicissitudes de la vie de couple, sous la coupe du capitalisme.
Simone et Erik se prétendaient "d'avant-garde", réinvestissant les rôles habituellement dévolus à l'homme et à la femme, mais les attributs traditionnels prêtés aux genres ne sont pas la seule cause de leur ruine : il n'est que constater que si l'on inverse les rôles ... c'est toujours l'impasse !
Assurément ces inversions habiles empreintes d'humour, de même que la scénographie et le décor de paquets-cadeaux multicolores, métaphores des palliatifs de l'absence, donnent à ce spectacle une réelle originalité ! Même si on pense aux "Scènes de la vie conjugale" de Bergman
Enfin, l'interprétation de Marylyne Fontaine, lumineuse, et d'Assane Timbo, tout en retenue, est digne d'éloges !
Un fort moment de théâtre à ne pas manquer 👏 👏 👏 👏 👏

C'est peu dire que ce spectacle est une réussite ! Ces textes de Marguerite Duras, brillamment mis en valeur par Michel Ouimet, diction sobre et claire, présence intense, sont autant de saynètes qui donnent vie à ces gens de peu qui survivent à la marge. De la voleuse à l'illettrée, de la mère poussée au suicide par l'inhumanité d'un petit fonctionnaire à l'algérien victime de la répression...l'exclusion sous de multiples formes, sentiment forcément bien connu de l'écrivaine qui n'ignore rien de la misère, de la douleur de se sentir étrangère, à l'intar de sa mère ou des "enfants maigres et jaunes " les anamites côtoyés dans son enfance. Compassion exempte de pathos pour raconter l'indicible !

La maladie mentale à travers la vie douloureuse d'Oreste, interné à l'asile...depuis toujours !
Des mots, paroles, paroles, comme autant d'échappatoires...à tous les drames occultés, le délire aussi joliment figuré par une originale animation graphique !
D'où vient cependant que je n'ai pas totalement réussi à m'attacher à Oreste ?

Derrière ce vieux "trouple de sexagénaires mariagés" et très, très bien interprété, la palette des sentiments fait mouche, la routine, les questions, la jalousie judicieusement dépeinte, de même que le pathétique jeunisme !
Ici on rit avec les personnages et non d'eux, et c'est délicieux ! D'autant que la réflexion, même sur un mode léger, n'est pas si souvent présente dans la plupart des comédies !
Ravie d'avoir assisté à cette comédie enlevée où l'humour le dispute à la tendresse.

En passe de gentrification, leur cité de banlieue autrefois ouvrière va être rasée. Les personnages cherchent leur voie, leur place dans ce monde en mutation, un moyen de s'unir pour préserver ce qui fut leur passé commun ?
La pièce ne manque pas d'intérêt mais elle ne m'a pas vraiment convaincue.

La vie, le procès, le cheminement en prison de trois femmes, Simone la fermière, Leni la victime d'un père tortionnaire et Laura la rebelle, trois meurtrières "coupables d'amour", si différentes et pourtant si proches dans la complexité de leur destinée criminelle !
Les trois comédiennes, interprètent avec justesse les scènes carcérales comme celles du procès, tantôt accusées, avocates ou magistrates, toujours brillantes et pertinentes !
Un spectacle exigeant, bien mené et d'un réel intérêt : ne le manquez pas !

Parfaitement fidèle à l'esprit de la nouvelle de Maupassant, cette version du Horla nous entraîne jusqu'au bord de l'abîme. De la légèreté d'un matin de mai aux affres des nuits d'angoisse, nous suivons toutes les péripéties du récit grâce aux talents de Serge Dupuy : diction parfaite, expression et gestuelle inspirées.
Il restitue les émotions, les doutes, les interrogations ... jusqu'à la folie !
Un excellent spectacle où le mystère le dispute à l'étrange !

Assurément, ce spectacle mérite l'intérêt, quelles que soient ses imperfections formelles car, fidèle aux circonstances dramatiques des derniers jours du professeur Samuel Paty, d'ailleurs corroborées par sa sœur Mickaëlle, cette chronique d'une rare sobriété pour décrire l'implacable engrenage de la lâcheté est glaçante.
Une lecture-performance sans pathos, et pourtant tout y est : le "pas de vagues" et l'incurie de l'administration devant les atteintes à la laïcité, l'absence de solidarité des collègues, la folie meurtrière des réseaux sociaux pourvoyeurs de haine et de mensonges ...
Mais au-delà, la dignité du métier d'enseignant, transmettre la libre pensée !

Assurément Lionel Cecilio ne manque ni d'énergie ni d'enthousiasme pour incarner avec talent les personnages familiers, Céleste et Ze ses aïeux et Chico... et, à travers eux, le peuple portugais qui s'est libéré du joug fasciste lors de la Révolution des Œillets.
Censure, droits déniés aux femmes, incarcérations, tortures, guerres coloniales, toutes les exactions qui ont jalonné la longue dictature de Salazar en arrière plan historique de ce seul-en-scène !

Une maison close en 1900, la tenancière Léonie, ses filles et leurs misères, tout un petit monde interlope dont on découvre les rouages. Quand un drame vient chambouler leurs vies, elles devront unir leurs forces pour affronter l'adversité. Au fil d'une intrigue bien menée, on découvre la vie de ces prostituées au verbe haut, leurs désirs, leurs rêves, leurs peurs aussi, dans une époque qui les exclut de la bonne société !
L'interprétation parfaite, les chorégraphies et les costumes réussis, tout est réuni pour profiter d'une excellente soirée !

Laurence Gray ne manque ni de charme ni de générosité, elle vise à embarquer le public grâce à la participation de volontaires pour lister "toutes les choses géniales" qui font les plaisirs de l'existence ou qui permettent de la supporter ! Sensibilité, émotion, une bouffée d'optimisme aussi, mais je n'ai pas été totalement conquise par cette lénifiante ode à la vie.

Rendre accessible, voire désirable la littérature, que dis-je, l'œuvre monumentale du génie du XXème Marcel PROUST ? Cette improbable gageure est ici parfaitement honorée !
La qualité des textes de ZWEIG, MORAND, COCTEAU ... et surtout des extraits choisis de La Recherche, magistralement dits par le talentueux Jacques Mougenot, permet une appropriation de la langue proustienne. Ce diseur inspiré a en outre l'humilité de s'effacer derrière les textes ! Un moment d'enchantement à ne pas manquer ! 👏👏👏👏👏

Portée par la voix rauque d'Anna Mouglalis, magistrale et totalement investie, la condamnation du patriarcat et de la domination capitaliste au cœur du pamphlet d'Ovidie donne à réfléchir.
Ainsi la liste quasi exhaustive des sacrifices consentis par les femmes sur l'autel de la séduction hétérosexuelle (est-ce si différent dans les relations homosexuelles ? ) prête à sourire ... pour ne pas en pleurer !
Sans doute attendais-je trop de cette pièce aux critiques dithyrambiques, d'où une légère déception. La musique, et surtout les vidéos projetées (quasi illisibles) m'ont paru de peu d'utilité dans ce spectacle militant, forcément partisan, voire manichéen dans sa manière outrancière d'essentialiser la gent masculine.

Des sujets de fond réellement intéressants mais le spectacle est inutilement alourdi par des parenthèses (qui se veulent) comiques sans doute pour dédramatiser. Dommage selon moi de n'être pas resté au plus près des questions humaines.

"Un stand-up triste...qui parle de folie, de précarité, de violence...et de l'errance de Jessica "coincée entre deux classes" ... Ne vous laissez pas rebuter par ce pitch qui ne saurait rendre compte de l'intérêt du propos, de l'émotion que fait naître Jag dans sa grâce, sa gestuelle, son regard et sa voix ! Pour ma part, la jeune comédienne et musicienne m'a littéralement captivée et bouleversée !
Co-écrite par Laurène Marx et Jessica Guilloud, la pièce interroge la culpabilité née du rejet de sa culture d'origine, la complexité de ce que vit un transfuge de classe. Beaufitude rurale vs bourgeoisie urbaine.
Mais, fi de la sociologie universitaire, ici on est dans le salon des grands-parents ou dans la salle des fêtes iséroise, entre alcoolisme, culture télé et karaoke...et puis il y a les yeux si doux de Johnny...la chienne au cœur trop gros !
Une magnifique découverte à ne pas manquer !🌟🌟🌟🌟🌟

Très joli moment de théâtre, émotion et poésie éclairent ce seul-en-scène fidèle à l'esprit du roman de Jack London. Une belle aventure portée par un jeune comédien talentueux.

Derrière la magistrale performance d'acteur, Mahmoud Ktari tour à tour naïf et habile, la pièce propose une réflexion éminemment politique, une farce amère sur ce qui fait notre humanité, un regard essentiel sur l'altérité ! Sans oublier la vision indispensable de l'artiste !
Mise en scène inventive, usage à bon escient de la vidéo (Chocolat le clown ou le zoo humain... )costumes et maquillage inspirés, un spectacle exigeant mais nécessaire qui interroge la place de l'homme et mérite assurément d'être vu !

Plongée dans la littérature polonaise, immersion dans l'univers unique d'Elizabeth Czerczuk : ce spectacle virtuose, porté par une vingtaine d'artistes, comédiens, danseurs et musiciens, donne une vision cathartique de l'Amour. Dépaysement et vertige, une magnifique création !

Tous les ingrédients du Thriller américain, moiteur du Sud, sexe et sang, dans un enchaînement de péripéties qui tiennent le suspens !
L'interprétation est à la hauteur du propos, déjanté et glaçant, avec une bonne dose d'humour noir, à l'instar de ce Joe, flic.... et tueur à gages !
Une image de l'Amérique où la misère rend sordide et n'a d'autre exutoire que la violence ?!?! A voir !

Un couple aux prises avec le handicap de leur fille Alice qui ne veut plus parler qu'à ses poupées. Le texte subtil porté par deux jeunes comédiens inspirés distille savamment les émotions.
De l'amour comme exutoire au chaos !
Le charme opère, à voir !

Selon la note d'intention, ni "théâtre documentaire", ni "théâtre militant", en effet Estelle Savasta écrit une histoire de reconstruction après le désastre, incarnée dans trois personnages essentiels, Nora, Ariane et Nino, magnifiquement interprétés d'ailleurs, et ainsi que dans les divers protagonistes de l'aide sociale à l'enfance. .
Nul pathos mais une douce palette d'émotions, dont la tendresse, l'amitié, la joie et une belle dose d'humour, voir la jubilatoire description de la Cène !
Une pièce passionnante qui éclaire ce système en déréliction, l'ASE, tellement invisibilisé malgré les carences et les drames révélés par les media.
À ne pas manquer.

Une évocation puissante et sans concession de la situation en Nouvelle-Calédonie durant les émeutes de 2024.
Texte solide et mise en scène épurée pour laisser toute la place aux deux excellents interprètes des rôles multiples, kanaks et caldoches.
Jamais démonstratif et pourtant instructif, le spectacle passionnant illustre les affrontements entre indépendantistes et loyalistes, leurs arguments, leurs valeurs ! À soutenir absolument !

🌟⭐️🌟⭐️🌟Une pièce remarquable : décor, éclairage, mise en scène, même les choix musicaux et, surtout, interprétation magistrale des deux comédiens.
Alexandre Cattez et William Mesguich, littéralement habités par le génie des artistes qu'ils incarnent, rendent palpable l'atmosphère incandescente de leur cohabitation, leur travail, leur rivalité, leurs fragilités aussi !
Spectacle très documenté et instructif assurément, mais surtout passionnant et bouleversant ! Ne le manquez pas !

"Ni tribune ni plaidoyer" selon la note d'intention, en effet le texte finement écrit de Clotilde Cavaroc, judicieusement mis en scène par Élise Noiraud est incarné avec délicatesse et sensibilité par Kimiko Kitamura, jeune femme hémiplégique et Stéphane Hausauer, son "accompagnant sexuel".
La pièce, pudique, sensuellement chorégraphiée, lève le tabou de la sexualité des personnes en situation de handicap. Se réapproprier son corps, ses désirs et, par delà le cadre imparti, vivre une histoire d'amour inattendue !
Une belle découverte !

Un jeu de rôles dans une coloc où règne la discorde.
Zach entend mais n'écoute pas ses compagnons qui voudraient le sortir de son mal-être !
Une fable horrifique pour se guérir de la dépression ?
Trop étiré en longueur ce conte ne m'a pas vraiment convaincue malgré l'implication des jeunes comédiens.

D'après le roman foisonnant de Boualem Sansal, la pièce conte l'histoire de deux frères, Malrich et Rachel, d'origine algérienne et vivant en France. Hans Schiller, leur père, était un ancien SS impliqué dans les crimes d'Auschwitz avant de combattre pour l'indépendance de l'Algérie et, à travers leurs journaux, le spectacle explore la mémoire : la culpabilité des horreurs du nazisme comme du terrorisme islamiste, mais aussi la décennie noire et leurs répercussions sur les jeunes des banlieues.
La mise en scène nerveuse de Luca Franceschi, l'enchaînement rapide des évènements grâce à l'énergie des interprètes endossant divers personnages, et la prestation remarquable de Nicolas Moisy (Rachel) et Valérian Moutawe (Malrich) dans les rôles des deux frères, un spectacle exigeant à voir aussi pour l'écrivain franco-algérien Boualem Sansal toujours dans les geôles de Tebboune !

La pièce retrace le destin extraordinaire de Sylvin Rubinstein, danseur de flamenco devenu résistant sous l'identité de sa sœur jumelle Maria disparue dans l'horreur de la barbarie nazie. Au crépuscule de sa vie, de crainte que le souvenir de Maria ne s'éteigne avec lui, il révèle les péripéties de leurs aventures entre Berlin et le ghetto de Varsovie, et sa métamorphose ....
"Imperio y Dolores", leur histoire rocambolesque et tragique mêle l'art et le courage : la danse comme acte de résistance !
Mise en scène ingénieuse, distribution brillante, notamment les deux comédiens principaux, Adrien Melin et François Feroleto (toujours exceptionnel). L'apport sensuel et rythmé du couple de danseurs et des musiciens complètent ce magnifique spectacle de qualité.

Quelle est donc la maladie qui ronge la famille M ? Le médecin qui prend soin des protagonistes est aussi le narrateur. Il nous guide avec tendresse à la suite de ces personnages perdus, empêchés, empêtrés dans des quiproquos et des malentendus, prisonniers des silences et non-dits.
Sans doute quelques longueurs dans l'exposition, mais les scènes de révélations finales sont bouleversantes et permettent aux comédiennes surtout de faire montre de leur talent.

Caro, Isabelle, Céline ! Trois destins s'entremêlent dans cette comedie acerbe d'une grande originalité.
Parfaitement orchestré dans une mise en scène rythmée et inventive, brillamment interprété par quatre jeunes comédiens dynamiques et audacieux, le spectacle donne à voir la fascination pour les célébrités à l'opposé du quotidien banal ou de la tragédie familiale d'une fan !
Ne manquez pas cette enthousiasmante expérience théâtrale !

Au sortir de la crise sanitaire, trois compagnons se retrouvent dans un bar, échangent et réfléchissent sur leur devenir, ce qui reste du collectif .
Une drôle d'époque ?
Et si on prenait la peine de regarder les autres, même les non-essentiels, ceux qui restent à la marge, à l'instar de ce clochard à qui l'on offre ... un poème !
Les trois jeunes comédiens débordent d'énergie et de talents et nous embarquent dans un voyage jubilatoire !
Un spectacle original : à voir !

D'après le texte implacable de N. Mathieu, dans une mise en scène épurée de Romane Bohringer, mais surtout avec l'extraordinaire présence d'Anne Charrier, magnifique comédienne vibrante, tout de pudeur et de force contenue. 👏👏👏👏👏
Une vraie rencontre : Rose, belle, sensuelle, passant de la gouaille à la tendresse, tantôt perdue, tantôt lucide, tellement digne, malgré ses blessures. Une femme, ses désirs, le sexisme, la dépendance affective, la solitude ... le couple ! Et ... un flingue !
Une intensité qui perdure bien après la fin du spectacle ! À voir assurément !

Ce joyeux spectacle illustre la vie de l'énigmatique Shakespeare à travers son œuvre. Sur le même modèle (mais sans doute un peu moins réussi que T-C-H-E-K-H-O-V), c'est néanmoins un agréable et plaisant moment grâce aux talents des artistes, comédiens et musiciens. Alors, oui, "le monde est un théâtre" !

Grâce aux partis pris du texte et de la judicieuse mise en scène, cette pièce touche à l'universel, évitant ainsi pathos et manichéisme.
Les cinq comédiens, très justes, endossent donc les rôles archétypiques de la victime, de l'agresseur, de l'entourage, des associations et de l'institution ! C'est ce processus même de la symbolique qui donne toute sa force au propos ! Convaincante et passionnante, une œuvre à voir assurément.
Le bord plateau avec la participation d'Arnaud Gallais a ajouté un éclairage militant à la problématique complexe des violences sexuelles et pédocriminelles.
Bravo et merci à La Manufacture des Abbesses pour la qualité de sa programmation !

Épopée de la quête de l'impossible sauvetage d'une mère fragile, malade, défaillante, ode à l'amour filial, ce "spectacle-cadeau" pour la "Fête des Mères" est aussi une magistrale célébration du langage et un bel hommage au théâtre, lieu exutoire où tout peut se dire, se faire....
Assurément, Zelda Bourquin a maintes cordes à son arc : texte, mise en scène et bien sûr jeu, cette jeune femme est une artiste douée, entourée de talents notables, le manteau final et la couronne sont magnifiques ! Une performance d'une rare originalité !

Quand l'intime conduit à l'universel !
Le texte de Fanny Mentré, bien écrit et rythmé, est brillamment incarné par Fatima Soualhia Manet, bouleversante dans les divers registres de ce récit à deux voix. Chaos, violences, drames des non-dits, individuels au sein des familles, ou collectifs au plan des pays.
Et pourtant ces deux femmes, ces "frangines "se sont choisies : une belle leçon de sororité, pour une fois terme non galvaudé !
Passionné et passionnant, ce spectacle est aussi un hommage à la beauté.
À soutenir car il mérite réellement le détour !

Je reconnais à ce spectacle la volonté de ne pas écraser le spectateur sous les certitudes moralisatrices car assurément, tout ce qui touche à la mort relève de tabous socio-culturels et religieux.
Donc les propos graves du droit à mourir dans la dignité, voire de l'aide à mourir et du suicide assisté sont forcément controversés.
Pour cette raison, si j'ai apprécié les parties où le jeu subtil des comédiens et la musique rendent compte des tensions dramatiques, des douleurs, en revanche les incursions dans le domaine de l'humour noir ne m'ont pas convaincue.